Unión Musical San Fulgencio

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Categoría: Noticias

CONCIERTO 40 º ANIVERSARIO

PROGRAMA DE MANO De la Tierra a las Estrellas y el Regreso al Hogar: Una Metáfora Sonora en el 40º Aniversario La celebración de un cuadragésimo aniversario no es solo un hito en el calendario, sino una invitación a la reflexión sobre el camino recorrido y los horizontes que aún quedan por explorar. El programa escogido por la Unión Musical de San Fulgencio para este 1 de mayo de 2026 en el Teatro Cardenal Belluga trasciende la mera selección de piezas de concierto; se erige como una profunda metáfora del viaje vital de la propia agrupación. A través de cinco obras cuidadosamente dispuestas, el repertorio traza un arco narrativo que nos lleva desde la majestuosidad de nuestro planeta hasta la inmensidad del cosmos, para finalmente devolvernos, con humildad y gratitud, a nuestras raíces más profundas. Los Contrastes Terrenales: El Despertar y la Vitalidad La primera parte del concierto actúa como un anclaje en el mundo natural, explorando los extremos de la experiencia terrenal. Este segmento inicial puede entenderse como los primeros años de la banda: llenos de asombro y de una energía incontenible. El viaje comienza en las gélidas latitudes del norte con Aurora Borealis, del compositor estadounidense Rossano Galante. Esta obra, caracterizada por su orquestación expansiva y sus líneas melódicas amplias, captura el sobrecogedor espectáculo de las luces polares. Musicalmente, Galante nos presenta la belleza en su forma más pura y majestuosa. En el contexto del aniversario, esta pieza evoca aquel primer destello de brillantez, ese momento fundacional en 1983 cuando el sueño de crear música en San Fulgencio comenzó a tomar forma en la oscuridad, iluminando el panorama cultural del pueblo. Inmediatamente después, el clima sonoro sufre una transformación radical al trasladarnos al Mediterráneo con Côte d’Or del valenciano Ferran Ferrer. Si Aurora Borealis es contemplativa y celestial, Côte d’Or es terrenal, cálida y rítmicamente vibrante. Representa la luz del sol, el arraigo cultural y el dinamismo de nuestra tierra. La percusión y los metales cobran un protagonismo festivo que refleja perfectamente la juventud, el empuje y la vitalidad de una banda que crece, se consolida y se convierte en el motor sonoro de las festividades de su comunidad. La Ambición Cósmica: Creciendo hacia lo Desconocido La segunda parte del programa rompe las barreras de la atmósfera terrestre, simbolizando la madurez de la agrupación, su ambición artística y su voluntad de enfrentarse a repertorios cada vez más complejos y desafiantes a lo largo de estas cuatro décadas. Con A Day in Space, James Curnow nos propone una narrativa casi cinematográfica. La obra no solo describe el vacío espacial, sino también la audacia del ser humano al explorar lo desconocido. Musicalmente, requiere que la banda construya atmósferas envolventes y maneje transiciones sutiles, pasando de la tensión del despegue a la serenidad de la ingravidez. Es un reflejo del afán de superación técnico e interpretativo de los músicos de la Unión Musical, demostrando que no hay partitura que se resista cuando hay trabajo conjunto. El clímax de esta odisea estelar llega con Cassiopeia, de Carlos Marques. Aquí, la ciencia da paso al mito. Inspirada en la constelación y en la reina de la mitología griega, la pieza oscila entre fanfarrias heroicas y pasajes de profundo lirismo. Las estrellas de Casiopea han guiado a los viajeros durante milenios; del mismo modo, esta obra representa el legado de la banda, que ya brilla con luz propia en el firmamento cultural de la Vega Baja. La exigencia de la obra demuestra la solidez de la agrupación en su 40º aniversario. El Regreso al Origen: La Raíz de Todo El mayor acierto narrativo de este programa radica en su conclusión. Después de haber orbitado el planeta y explorado constelaciones lejanas, el concierto no termina en el infinito, sino en casa. La interpretación del pasodoble Nueva Ilusión actúa como una fuerza gravitatoria que devuelve a músicos y oyentes a la esencia misma de su existencia. Compuesto por D. Ventura Cartagena Guirao, el maestro fundador de la banda, este pasodoble es mucho más que una pieza de cierre festivo. Es un acto de memoria histórica y de justicia poética. Interpretar las notas escritas por el hombre que enseñó a tocar a la primera generación de músicos de San Fulgencio cierra un círculo perfecto. A través de los acordes de Nueva Ilusión, la agrupación nos recuerda una verdad fundamental del arte y de la vida: no importa cuán lejos viajemos, cuán complejo sea el repertorio que logremos dominar, o cuán alto lleguemos; nuestro mayor éxito siempre será no olvidar quiénes somos y de dónde venimos. En su 40º aniversario, la Unión Musical de San Fulgencio demuestra que, aunque es capaz de tocar las estrellas, su corazón sigue latiendo al ritmo de su pueblo. Concierto enmarcado dentro de la XXXI Campaña de Música als Pobles de la Diputación de Alicante

CONCIERTO EXTRAORDINARIO EN HONOR A SANTA CECILIA 2025

PROGRAMA CONCIERTO SANTA CECILIA 2025 VALENCIA (PD) (J. Padilla) (CON MOTIVO DE SU CENTENARIO) El pasodoble “Valencia”, compuesto por José Padilla en 1925, es mucho más que una melodía popular: es un himno luminoso que conquistó el corazón de España y del mundo, hasta convertirse en símbolo universal de fiesta, pasión y nostalgia.​ Origen e historiaLa creación de “Valencia” está envuelta en historias cruzadas y cierta leyenda. Se dice que la inspiración surgió tras el fracaso de la zarzuela “La bien amada”, de la cual Padilla rescató una melodía, dándole una nueva vida con letra de José Andrés de la Prada. El estreno no tuvo lugar en Valencia, sino en París, donde el pasodoble fue interpretado por grandes estrellas como Mistinguett y Mercedes Serós, logrando un éxito arrollador que pronto se propagó hasta América y los principales teatros europeos.​ Significado musical y cultural“Valencia” brilla por su ritmo contagioso y optimista, una marcha enérgica que evoca la alegría luminosa de la tierra levantina. El propio Padilla afirmaba que el secreto de su éxito no estaba en la melodía, sino en el acompañamiento rítmico novedoso que marcó tendencia en la música popular española. El pasodoble incorpora elementos musicales reconocibles, como los aires de fiesta, las llamadas de las bandas y las palmas del público, que conectan de inmediato con el imaginario colectivo de las fiestas valencianas y las Fallas.​ Alcance y legadoEn apenas un año, “Valencia” vendió millones de discos y fue versionado por artistas de todo el mundo, llegando a encabezar las listas estadounidenses en 1926 con la orquesta de Paul Whiteman. Ha sido interpretado por bandas, orquestas y voces legendarias, y la UNESCO destacó su “universalidad” como manifestación de la cultura mediterránea. La composición sigue siendo hoy una pieza imprescindible en eventos festivos y taurinos, símbolo sonoro de la ciudad y de toda una identidad levantina.​​ “Valencia”, con su inconfundible energía y su luz musical, continúa llevando el nombre de la ciudad desde las calles de España hasta los auditorios internacionales, recordando el genio de su autor y la eterna capacidad de la música para unir corazones en la alegría colectiva. CRY OF THE LAST UNICORN (Rossano Galante) «Cry of the Last Unicorn» de Rossano Galante es una obra orquestal que destaca por su emotividad y capacidad narrativa, evocando una historia de fantasía y tragedia a través de la música.​​ Contexto y NarrativaLa pieza narra el destino de un unicornio que descubre que es el último de su especie. Al darse cuenta de esta desgarradora realidad, la trama musical se centra en la persecución a la que es sometido por cazadores, cuyo propósito es obtener su cuerno mágico. Aunque los cazadores encuentran su propio final a manos de los caballos del bosque, el unicornio resulta mortalmente herido, simbolizando el fin de una era y la extinción de la magia inocente. Esta historia se traslada al oyente mediante contrastes musicales entre secciones dramáticas y otras de gran lirismo y melancolía.​​ Análisis MusicalRossano Galante emplea todos los recursos de la orquesta para dar vida a un relato que alterna lo épico y lo íntimo. Las secciones instrumentales se emplean de manera descriptiva: los momentos de persecución resaltan con orquestaciones potentes y llenas de tensión rítmica, mientras que los pasajes solistas dibujan el lamento y la soledad del unicornio. Los metales y la percusión acentúan la urgencia y el drama, en tanto que las maderas y solos melódicos transmiten la tristeza y belleza trágica del protagonista.​ Temas y EmociónUna de las claves de la popularidad de «Cry of the Last Unicorn» es su capacidad de conectar emocionalmente con el público. Galante logra crear un crescendo emocional que culmina en una sensación de pérdida irreparable, simbolizada con la muerte del unicornio y el fin de la magia en el mundo. Este enfoque narrativo, poco usual en la música de banda sinfónica contemporánea, otorga a la pieza una dimensión cinematográfica y evocadora.​​ Recepción y LegadoDesde su estreno, la obra ha sido interpretada por numerosas bandas sinfónicas y orquestas, destacándose por su riqueza melódica y su atractivo tanto para músicos como para oyentes. La partitura es considerada accesible pero con una gran carga expresiva, lo que la convierte en una favorita dentro del repertorio moderno.​ En conclusión, «Cry of the Last Unicorn» es un ejemplo sobresaliente de narrativa musical aplicada a la banda sinfónica, una obra que sobrepasa la simple ilustración sonora para adentrarse en el terreno de la tragedia mítica y universal, recordando al oyente la fragilidad de lo extraordinario y la belleza de los relatos fantásticos.​​ RISE OF THE UNICORN (Rossano Galante) Rise of the Unicorn» de Rossano Galante es una pieza sinfónica de carácter dramático y cinematográfico que continúa la historia mítica iniciada en la obra «Cry of the Last Unicorn» del mismo compositor. La obra explora, a través de formas musicales propias del cine, el renacer y la lucha de una criatura legendaria, el unicornio, en un mundo lleno de desafíos y adversidades.​​ Contexto y argumento musical«Rise of the Unicorn» es una continuación directa de «Cry of the Last Unicorn», pieza que narra la soledad y el lamento del último unicornio en la Tierra. En esta nueva entrega, Galante utiliza una estructura musical que remite a la narrativa épica, desarrollando temas que evocan aventura, peligro y finalmente triunfo, elementos que invitan al oyente a imaginar la lucha y el renacimiento del mítico ser.​​ Lenguaje y estilo musicalLa música de Galante se caracteriza por melodías expansivas y armonías ricas, propias de la tradición sinfónica contemporánea inspirada en el cine. Los temas principales se presentan con una orquestación cuidada, con momentos de intensidad dramática que alternan con pasajes líricos y contemplativos, lo que traduce perfectamente la dualidad entre la fragilidad y la fuerza del unicornio como símbolo de esperanza y supervivencia.​​ Impacto y recepción«Rise of the Unicorn» ha sido interpretada por diversas bandas sinfónicas alrededor del mundo, destacándose por su capacidad para emocionar al público y transportar al oyente hacia paisajes sonoros imaginarios. La obra también es valorada por músicos y directores por su exigencia

CONCIERTO XXXIX ANIVERSARIO

Concierto de la Unión Musical de San Fulgencio en conmemoración de su 39º aniversario . Sufragado por la Excma. Diputación Provincial de Alicante dentro de la «XXX Campanya de Música als Pobles». PROGRAMA DEL CONCIERTO CARMESINA (PD) Manuel MORALES CAPRICCIO FOR BASS TROMBONE & WIND BAND Steven Verhelst (Trombón Bajo Solista: MIJAIL PETRUF) JUANA DE ARCO Ferrer FERRAN THE UNIVERSAL BAND COLLECTION Jacob de Hann EL BATEO (GRAN FANTASÍA) Federico Chueca     CARMESINA (PD) Manuel MORALES Pasodoble sinfónico compuesto por Manuel Morales Martínez por encargo de la Sdad. Musical “La Artística” de Chiva para el Certamen de Altea en su XXXV edición dedicada al Tirant lo Blanc. Carmesina es una de las protagonistas de Tirant lo Blanc, novela escrita por Joanot Martorell y publicada en 1490, que es considerada uno de los máximos exponentes de la novela caballeresca y del siglo de oro valenciano. El primer encuentro con Carmesina -virtuosa y de gran belleza-, deja Tirant embobado y en un estado de melancolía que sigue todos los tópicos del amor cortés. Y así como en la guerra es Tirant quien domina las situaciones, en el palacio son las mujeres quienes tienen el control. Tirant no escapa a este nuevo escenario y toda su voluntad se verá sometida a la voluntad de las mujeres. Si en general, el amor cortés ha planteado a la mujer como un sujeto pasivo, que no puede disponer libremente de su propio cuerpo y que debe entregarse a quien la festeja como premio por un servicio leal, la caracterización que hace Martorell de las mujeres en el Tirant lo Blanc, según Marín, refleja un cambio importante en el tratamiento que la literatura había dado al universo femenino hasta ese momento: «De representar un papel de meras observadoras de las proezas del héroe, pasan a ser personajes con una vida interior propia e independiente de la peripecia vital del protagonista”. Manuel Morales Martínez, un compositor y director de banda valenciano, ha logrado plasmar en «Carmesina» una amalgama de características que definen el pasodoble. La pieza comienza con un tema vibrante y enérgico que rápidamente atrae la atención del oyente. La instrumentación, rica en matices y texturas, permite que cada sección de la orquesta brille, desde las trompetas que establecen una línea melódica poderosa, hasta los suaves acordes de cuerdas que aportan un sentido de profundidad y calidez.   La estructura del pasodoble es fundamental para entender su impacto emocional. Generalmente, se compone de una introducción, partes principales y un desenlace. En «Carmesina», estas secciones están hábilmente entrelazadas, lo que confiere a la obra un sentido de cohesión. La introducción establece el tono, mientras que las varias repeticiones del tema principal generan una sensación de familiaridad y celebración, características esenciales del pasodoble.   Uno de los aspectos más conmovedores de «Carmesina» es su capacidad para evocar imágenes y sentimientos. Al escuchar la pieza, es fácil imaginar escenas de festividades llenas de color, baile y alegría. Estas evocaciones son emblemáticas del pasodoble, un género que se ha convertido en un símbolo de la identidad y la cultura españolas. Además, la obra de Morales no solo invita a disfrutar de su ritmo pegajoso, sino que también nos conecta con la historia y las raíces de la música en España.   Desde su creación, «Carmesina» ha sido interpretada por diversas orquestas y grupos de música, asegurando su lugar en el repertorio musical español. Su popularidad radica no solo en su belleza, sino también en su capacidad para unir a las personas en un momento de celebración y alegría. En muchas ocasiones, se ha interpretado en festivales y eventos culturales, donde su potente energía contribuye a crear un ambiente festivo.   En conclusión, el pasodoble «Carmesina» de Manuel Morales Martínez es una pieza fundamental en el ámbito de la música española. Su combinación de melodía cautivadora, estructura bien definida y evocación emocional la convierte en una obra maestra dentro del género. Al escuchar «Carmesina», no solo se aprecia el arte de su compositor, sino que también se celebra la rica herencia cultural que representa. Esta obra es un recordatorio de la capacidad que tiene la música para unir, emocionar y trascender. CAPRICCIO FOR BASS TROMBONE & WIND BAND Steven Verhelst Caprichoso, virtuoso, chispeante y al mismo tiempo relajante; en pocas palabras “Capriccio”. Esta obra consta de tres partes sucesivas que conforman una historia musical expresiva y fluida. Tras una apertura triunfal, nos familiarizamos con la fuerza etérea del trombón bajo como solista principal. Los demás músicos, un conjunto de seis trombones, aportan un impulso adicional. El virtuosismo y la técnica del solista se perciben de inmediato. El impulso se reduce y el virtuosismo técnico da paso al lado cálido y romántico del trombón bajo. En un compás de 3/4, comenzamos a soñar con un acompañamiento sensual. Hacia el final, alcanzamos ambientes más agudos, tanto melódicos como dinámicos. La cadencia actúa como puente hacia la parte final. El solista principal regresa, sobrio, a las raíces. El tema inicial, que impulsa la música, se desarrolla ahora hasta un clímax en el que el solista, de forma espectacular, puede dar lo mejor de sí mismo. Capriccio fue escrita especialmente para Ben Van Dijk, trombonista bajo de la Orquesta Filarmónica de Rotterdam y se estrenó en noviembre de 2005 en el Día del Trombón de la Universidad de Kentucky.   MIJAIL PETRUF TROMBÓN BAJO SOLISTA Nacido en Bahía Blanca el 26 de junio de 1993. A los 6 años comenzó sus estudios musicales (violín) con el maestro Denis Golovin (Filarmónica del Teatro Colón) hasta el año 2005. En el año 2009 comenzó sus estudios de trombón con el maestro Leonardo Martino. Desde el año 2012 hasta el 2016 estudió con el maestro Enrique Schneebeli en la ciudad de Buenos Aires. En el año 2013 fue contratado por la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca y dos años más tarde ganó el concurso obteniendo el cargo estable de trombón bajo. Participó del curso internacional “Trombonanza” en la localidad de Santa Fe (Argentina) en los años 2013,